NOSFERATU (2024) - FILM REVIEW

Não sei se há algo faltando em Nosferatu, versão vampiresca de Drácula dirigida por Robert Eggers. Não sei se foi na direção, no resultado ou em mim mesmo. Nosferatu tem absolutamente tudo para ser brilhante. 

Por isto, mesmo tendo visto no cinema e gostado muito, achei que não gostei tanto quanto deveria. E decidi rever. E escrever sobre ele. 

A Farsa Legal que Criou um Mito Próprio

Para compreender plenamente a linhagem desta criatura da noite, é preciso olhar para trás e encarar a gênese de toda essa tradição cinematográfica: o clássico mudo de 1922, dirigido por F.W. Murnau é a vertiginosa releitura de Werner Herzog em 1979. A razão pela qual essas três obras — incluindo a versão de 2024 — recontam a exata espinha dorsal do romance Drácula, de Bram Stoker, mas alteram os nomes dos personagens principais (batizando o conde de Orlok, o protagonista de Thomas Hutter e a heroína de Ellen ou Lucy), nasceu de uma pitoresca e dramática batalha nos tribunais.

Na época da produção do filme original de 1922, o estúdio alemão Prana Film não conseguiu obter os direitos autorais da viúva de Bram Stoker, Florence Stoker. Desesperados para adaptar o livro de vampiros mais famoso do mundo sem pagar os devidos royalties, os realizadores tentaram burlar a lei mudando os nomes, transportando a ação da Inglaterra vitoriana para a Alemanha e alterando detalhes estéticos. 

A estratégia falhou nos tribunais: Florence processou a produtora por violação de direitos autorais, vencendo a causa e ordenando a destruição de todas as cópias existentes do filme. Por sorte, algumas latas escaparam da fogueira, transformando a obra proibida em um marco imortal da história do cinema. Dessa forma, o que começou como uma simples manobra para escapar das leis de propriedade intelectual acabou gerando um mito autônomo. 

Quando Werner Herzog dirigiu sua versão em 1979, ele não adaptou diretamente o livro de Stoker; seu objetivo declarado era dialogar com a obra-mestra de Murnau. Herzog manteve os nomes de Orlok, Jonathan e Lucy como uma reverência explícita ao filme mudo alemão, consolidando Nosferatu como uma entidade cinematográfica separada do Drácula tradicional de capa e cartola.

Robert Eggers, ao moldar sua releitura em 2024, segue essa mesma tradição reverente. Chamar a criatura de Conde Orlok em vez de Conde Drácula e manter Thomas e Ellen Hutter não é apenas um aceno às restrições do passado, mas o reconhecimento de que o nome Nosferatu conquistou uma identidade própria e independente. 

Trata-se de uma linhagem que trocou a aristocracia elegante da Transilvânia por uma atmosfera de peste, feiura e decomposição terrena. Ao preservar os nomes modificados, cada diretor presta continência ao primeiro ato de ousadia artística que transformou um conflito de direitos autorais em uma das maiores lendas da sétima arte. 

Inclusive, a maquiagem do conde lembra muito a do filme "A Sombra do Vampiro" (2000), de E. Elias Merhige, que conta a história das filmagens do primeiro Nosferatu. E quem faz o papel de Max Schreck é justamente Willem Dafoe, que, inclusive, atua nesta versão de 2024. Não acredito que seja coincidência. 

A atmosfera

Quando o cinema contemporâneo de terror parecia muitas vezes prisioneiro de fórmulas repetitivas, sustos mecânicos e resoluções apressadas, a chegada de Nosferatu (2024) impôs uma trégua solene e aterrorizante às telas. O filme concebido por Robert Eggers impõe-se como uma experiência sensorial densa, que recusa os atalhos do susto convencional para mergulhar o espectador em um banho de pavor atmosférico, podridão e inevitabilidade histórica. 

Situada na Alemanha do século XIX, a narrativa acompanha a viagem fatídica do jovem agente imobiliário Thomas Hutter até os confins sombrios dos Cárpatos, onde transita pela propriedade do excêntrico e repulsivo Conde Orlok. Contudo, o verdadeiro epicentro dramático e emocional da história habita a mente atormentada de Ellen Hutter, esposa de Thomas, cuja sensibilidade psíquica a torna alvo de uma possessão lenta, magnética e devastadora. A obra transforma a lenda clássica em um tratado estético e psicológico sobre o contágio, a repressão vitoriana e a fragilidade da alma diante da morte encarnada.

O conde

A construção de Orlok por Bill Skarsgård representa um dos feitos mais assustadores e fascinantes do cinema de horror recente. Esqueça qualquer resquício de elegância aristocrática ou sedução romântica tradicional associada a figuras vampíricas nas últimas décadas; o Orlok de 2024 é a própria personificação da decadência física, da peste bubônica e da ruína ancestral. Skarsgård desaparece por completo sob camadas de maquiagem pesada, próteses grotescas e uma postura corporal que evoca a rigidez de um cadáver mumificado.

Sua voz, trabalhada em tons guturais e sussurros arrastados, ecoa como um som vindo das fundezas da terra. Cada aparição do Conde transmite uma sensação de contaminação iminente; ele não apenas habita o espaço, mas apodrece o ambiente ao seu redor. Os ratos que o acompanham não são meros adereços, mas extensões orgânicas de sua maldição, carregando a doença pelas ruas cinzentas e úmidas da Europa decrépita. A presença de Orlok atua como um catalisador de horrores latentes na sociedade, expondo a hipocrisia e a corrupção moral que os cidadãos tentavam esconder sob suas roupas finas e regras de etiqueta rígidas.

Ellen Hutter e a entrega voluntária ao abismo

Se Orlok é a força física da destruição, Ellen Hutter — interpretada com uma intensidade febril e magnética por Lily-Rose Depp — constitui a alma vulnerável e trágica do filme. Ellen não é a donzela indefesa típica do gênero; ela é uma mulher sitiada por visões premonitórias, espasmos de terror e uma empatia mórbida que a conecta de forma visceral à criatura transcarpática. Desde as primeiras sequências, a narrativa evidencia o fardo de sua mente hiperativa e assombrada.

Ela sofre em seu próprio corpo a aproximação de Orlok, sentindo dores físicas, sufocamento e um chamado magnético que desafia a razão. Depp entrega uma atuação corporal impressionante, alternando entre trances de pura agonia e momentos de uma clareza aterrorizante. A conexão entre Ellen e o monstro não é apenas de perseguição, mas de um reconhecimento macabro; ambos compreendem a solidão de existirem à margem de um mundo que os rejeita ou os incompreende. A entrega de Ellen ao destino fatal que a aguarda transforma-se em um ato supremo de autossacrifício, um meio drástico de conter a maré de morte que ameaça engolir tudo o que ama.

Thomas Hutter e o colapso da razão

Em contraponto à hipersensibilidade de Ellen, Thomas Hutter, vivido por Nicholas Hoult, encarna o arquétipo do homem racional da burguesia ascendente, cujas certezas desmoronam diante da realidade implacável do sobrenatural. Thomas viaja motivado pela ambição profissional e pela crença cega na utilidade prática das leis, dos contratos e da lógica comercial.

No entanto, ao cruzar os portões do castelo de Orlok, sua segurança conceitual evapora gradualmente. Hoult transmite com precisão cirúrgica a transição de Thomas, de um jovem ambicioso e confiante para um homem traumatizado, consumido pelo medo e incapaz de proteger aqueles que jurou guardar. O sofrimento de Thomas ao perceber a gravidade do erro que cometeu ao assinar os papéis da propriedade em Wisborg reflete a cegueira de uma era inteira que acreditava poder domesticar e comercializar todas as forças da natureza, ignorando os abismos ancestrais que espreitam nas sombras do mundo.

A falência da ciência perante o sobrenatural

O elenco de apoio ganha uma camada extra de densidade com a participação de Willem Dafoe na pele do Professor Albin Eberhart Von Franz, um estudioso das ciências ocultas e da medicina que tenta decifrar a praga que consome Wisborg. Dafoe traz uma urgência febril ao seu personagem, um homem de ciência que se vê forçado a admitir a falência do conhecimento empírico diante de uma praga de origem estritamente sobrenatural.

Sua interação com Thomas e a comunidade científica local expõe o desespero de uma intelectualidade que tenta aplicar métodos racionais a um fenômeno que zomba de qualquer lógica cartesiana. Von Franz torna-se a voz da advertência tardia, o sábio que compreende que o mal não pode ser combatido apenas com bisturis ou teorias acadêmicas, mas exige um enfrentamento espiritual e moral absoluto.

O rigor estético imprimido por Robert Eggers consolida-se como um dos grandes triunfos visuais da produção. A fotografia privilegia tons desbotados, céus chumbo, nevoeiros densos e a iluminação austera de velas e lampiões, conferindo ao filme o aspecto de uma pintura gótica resgatada do século XIX. Cada cenário — desde os interiores sufocantes e repletos de ornamentos pesados da mansão dos Hutter até a arquitetura gélida, íngreme e claustrofóbica do castelo transcarpático — respira uma atmosfera de sufocamento.

A atenção aos detalhes históricos e táteis é absoluta: a textura da lã molhada, o barro acumulado nas botas, a fuligem nas paredes e o suor frio na pele dos personagens criam uma fisicalidade palpável. A experiência visual evita o polimento digital excessivo, optando por uma crueza artesanal que transporta o espectador diretamente para o coração daquela Europa adoecida, onde a ciência incipiente ainda tenta tatear no escuro diante de mistérios que desafiam a compreensão racional.

A construção sonora do longa desempenha um papel vital na manutenção da tensão constante. A trilha sonora evita os crescendos orquestrais óbvios, preferindo texturas dissonantes, notas graves prolongadas, o estalar de madeiras antigas, o sopro do vento nas montanhas e o roçar incessante de milhares de roedores.

Essa paisagem sonora cria um ambiente de desespero abafado, em que qualquer segundo de calmaria parece apenas o prelúdio para uma nova investida do terror. O ritmo cadenciado da montagem permite que a atmosfera se densifique, dando espaço para que o desconforto penetre na pele do público. O filme compreende que o verdadeiro pavor habita o invisível, o que espreita além da penumbra, a certeza inexorável de que a morte não é um ponto final distante, mas uma presença constante que caminha ao nosso lado.

A peste, a nivelador social

À medida que o navio mercante transportando caixões e ratos atraca no porto de Wisborg, a narrativa expande seu escopo de um drama doméstico para uma tragédia coletiva de proporções apocalípticas. A cidade, antes pacata e ordeira, transforma-se rapidamente em um cenário de caos, medo e colapso institucional. Os caixões alinham-se nas ruas, as portas são marcadas, e a ordem social rande perante a certeza da contaminação universal.

Eggers filma a peste não apenas como um evento biológico, mas como um teste moral que desmascara a mesquinharia, o egoísmo e o pânico dos cidadãos comuns. A praga atua como o grande nivelador, destruindo barreiras de classe e mostrando que a riqueza acumulada pela burguesia é completamente inútil diante do apetite cego da morte.

O clímax da narrativa desvenda o verdadeiro propósito da ligação entre Ellen e Orlok. Diferente das soluções simplistas de caça ao monstro baseadas apenas em estacas e cruzes, a resolução exige a entrega voluntária e consciente. Ellen compreende que a única maneira de deter a peste que dizima a cidade portuária é oferecer-se como o cálice que absorve a fome eterna da criatura, prolongando o banquete até o raiar do dia.

Esse desfecho destila uma carga dramática avassaladora. A morte de Ellen não constitui uma mera derrota trágica, mas um triunfo sacrificial que quebra o ciclo de contágio. Quando a luz do amanhecer finalmente corta a escuridão e desfaz o corpo do Conde em cinzas, o alívio na tela vem acompanhado de uma cicatriz indelével. Wisborg está salva, mas o preço pago foi a inocência e a vida daquela que enxergou o abismo antes de todos.

Ao término, Nosferatu é, de fato, uma aula de cinema. A obra demonstra que os grandes mitos do horror sobrevivem e se renovam quando tratados com seriedade artística, lembrando ao público que, por mais que a modernidade tente banir as sombras, o medo do desconhecido e da morte continuará sempre a habitar os recantos mais ocultos de nossa imaginação.

Há cenas tão belas, como Thomas Hutter caminhando na estrada a noite, vendo a carroça em sua direção, que difícilmente poderemos encontrar um diretor capaz deste apuro visual como Eggers.

Mas há algo faltando em Nosferatu, não sei se foi na direção, no resultado ou em mim mesmo. Nosferatu tem absolutamente, tudo para ser brilhante. Me senti até culpado por não gostar tanto quanto deveria. E revendo, continuei com o mesmo pensamento. 

Eu poderia dizer que faltou alma no filme, e antes que você rebata dizendo que o personagem realmente não tem uma, eu reforço que falei do filme, não do vampiro.

Eggers fez A Bruxa, O Farol e O Homem do Norte antes deste Nosferatu. E tentou levar um pouco do clima da Bruxa, da estética do Farol e chamou o protagonista do Homem do Norte. Adicionou Dafoe que já havia interpretado o conde. Tudo para ser um filme perfeito, mas, para mim, não funcionou.